К 145-летию со дня рождения известного испанского и французского художника, скульптора, графика Пабло Пикассо
25 октября этого года поклонники творчества знаменитого художника Пабло Пикассо отмечали значимую дату — 145 лет со дня рождения кумира. Удивительно разный, но неизменно узнаваемый, провокатор, хулиган и вечный романтик. Пикассо годами возглавлял топ-24 самых дорогих художников в мире и ныне уступил его только Леонардо да Винчи. Посетители музеев по всему миру выстраиваются в длинные очереди, чтобы увидеть его работы.
Великий Пикассо прожил на свете 92 года, прославившись на весь мир и как гениальный художник, который чаще, чем кто-либо из других живописцев, менял стили и техники (как метко отметил Марк Шагал, франко-испанский художник, Пабло «менял стили чаще, чем носки». А когда самого Пикассо спросили, какой из стилей важнее, тот ответил: «Они нужны мне все!»), и, как влюбчивый донжуан, потерявший счет романам, и, конечно, как феерический жизнелюб. Весь мир вокруг, во всех его проявлениях, формах, красках и полутонах, был им осознан, разобран и собран обратно на его полотнах
Он сам диктовал цены на свои работы. Уже тогда гонорары были баснословными, а после смерти стали заоблачными. Стоимость картин Пикассо исчисляется сотнями миллионов долларов. Неудивительно, что при таком ценнике владельцы держат эти шедевры в закрытых частных коллекциях. Имена некоторых хозяев – в секрете. Его полотно «Алжирские женщины, версия О» в 2015-м было продано на аукционе за 179,4 миллиона долларов, а «Молодая девушка с цветочной корзиной» в 2018-м — за 115 миллионов.
Пабло Пикассо за свою долгую творческую жизнь написал столько картин, что его имя было занесено в Книгу рекордов Гиннесса.
Он умер в 1973-м, но до сих пор остается в глазах множества людей символом «современного искусства». Интересно, что со скрипом, но он был официально признан даже в Советском Союзе — конечно, не в последнюю очередь потому, что был коммунистом: ему прощали любые эксперименты с формой, иногда проводили его выставки, а фраза про «портрет работы Пабло Пикассо» в конце концов попала в песню.
Число работ художника, которые когда-либо пропадали со стен музеев, составляет 1147. Бывало, что за одно ограбление выносили сразу несколько полотен. Например, в 1976 году из Папского дворца в Авиньоне пропало 119 картин. Но преступники были быстро найдены, а произведения возвращены на место. В 2022 году в Национальную художественную галерею в Афинах вернулась картина «Женская голова» Пикассо, которая считалась пропавшей 10 лет.
Для многих Пикассо кажется непонятным, но это лишь от неготовности оставить законы логики и погрузиться в мир его удивительных образов. Тем же, кто готов к восприятию интерпретаций великого мастера, творчество Пикассо станет огромным и богатым открытием, способным перевернуть взгляд на окружающий мир. Такой он великий художник, смельчак и большой оригинал – Пабло Пикассо
О некоторых периодах жизни и творчества мастера
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге, одном из городов испанской южной провинции. Его отец, преподаватель рисования, стал первым наставником юного художника. В восемь лет Пикассо написал свою первую картину «Пикадор» масляными красками на деревянной крышке от сигарной коробки. Он не расставался с ней на протяжении всей жизни, хотя она и была слегка испорчена. Сейчас «Пикадор» хранится в частной коллекции Клода Пикассо в Париже.
В 14 лет Пикассо поступил в Барселонскую школу искусств и ремёсел Ла‑Лонха. Талант юноши был настолько очевиден, что преподаватели сразу зачислили его в старшие классы. Позднее он продолжил обучение в Академии изящных искусств в Мадриде. Однако занятия быстро наскучили художнику. Вместо лекций он предпочитал проводить время в Музее Прадо, изучая полотна Эль Греко, Диего Веласкеса и Франсиско Гойи.
Ранние картины Пабло Пикассо создавал в стиле реализм. Среди работ этого периода выделяются «Первое причастие» (1896) и «Знание и милосердие» (1897). Эти произведения показывают, что Пикассо, ещё будучи подростком, владел техникой живописи на уровне зрелого мастера.
Бросив академию, юноша отправляется путешествовать по миру и писать картины. Первые работы Пикассо подписывал именем по отцу — Руис Бласко, но позже выбрал фамилию матери — Пикассо.
В 1900 году Пабло своим другом впервые приехал в Париж, где познакомился с творчеством импрессионистов. Его излюбленными сюжетами становятся персонажи и пейзажи Монмартра, Пикассо делает десятки набросков, жадно впитывает опыт авангардистов того времени, но не слишком увлекается их идеями — он понимает, что тогда не сможет сформировать собственный стиль.
В творчестве Пикассо выделяют несколько периодов, которые значительно различаются стилем, красками, приемами. И, конечно, переход от одного периода к другому был часто связан с поворотными событиями в жизни художника.
Голубой период (1901 – 1904)
В 1901 году совершил самоубийство — друг Пикассо, с которым они приехали в Париж. Это потрясло Пабло до такой степени, что его подавленность сказалась на творчестве. На некоторое время художник возвращается в Барселону Он пишет картины, затрагивающие темы смерти, печали, нищеты, и для этого использует синюю палитру, которая у него ассоциируется с трауром. Так начинается
«Голубой» период в его творчестве. Самые известные картины того времени — «Любительница абсента» (1901 год), «Трагедия» (1903 год) и другие.
Розовый период (1904 — 1906)
В 1904 году Пикассо вернулся в Париж. Там он поселился в Бато-Лавуар, знаменитом общежитии для бедных художников на Монмартре. В это время Пабло знакомится с натурщицей Фернандой Оливье, котора становится его музой. Печаль «Голубого» периода сменяется эстетикой нового, «Розового», вдохновленного образами из мира театра и цирка. Переходным полотном между двумя периода становится знаменитая «Девочка на шаре» — 1905 год. Сейчас картина находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина.
Кубизм
Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов. Это время полного отказа от детализации персонажей: предмет и фон почти сливаются воедино, нет четко очерченных границ. Пикассо был убежден, что художник может больше, чем просто показывать то, что видит глаз.
В работах периода «аналитического кубизма»— художник словно дробит предметы на мелкие фрагменты. Между разными вещами пропадает грань и все воспринимается как единое целое.
В работах «синтетического»кубизма появляется широкая цветовая гамма. Несмотря на то, что кубизм активно критиковали многие, работы этого периода хорошо продавались и Пабло Пикассо наконец-то прекратил нищенствовать и переехал в просторную мастерскую.
Следующим периодом в творчестве художника стал неоклассицизм, которому положила начало женитьба Пикассо на русской балерине Ольге Хохловой в 1918 г.
Этот период очень далек от кубизма: реальные лица, светлые тона, правильные формы… На подобные перемены в творчестве его вдохновляла русская жена, которая привнесла много нового в жизнь Пабло. Поменялся даже образ жизни художника — посещение светских раутов, костюмированных балетов и т.д. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему, ощущению это должно быть сказано».
В 30-е и 40-е годы героем многих полотен Пикассо стал бык, Минотавр. Минотавр в творчестве художника — олицетворение разрушительной силы, войны и смерти.
1 мая 1937 года до Парижа дошла жуткая весть: немецкие бомбардировщики, наемники Франко, атаковали маленький баскский городок Герника. Они сбросили на него бомбы в тот час, когда на улицах было полно народа.
Это событие Пикассо не мог оставить без внимания и так на свет появилась картина «Герника». Эту картину можно назвать апофеозом темы Минотавр.
«Герника» — величайшая трагическая картина ХХ века
Спустя месяц, 4 июня 1937 года, появилась картина: в лицо публике брошена «Герника». На ужасное побоище Пикассо ответил самой беспощадной и шокирующей из, когда‑либо написанных картин. Кровавым бомбардировщикам, ослепленным ужасом и глупостью, Пикассо, широко раскрыв глаза, ответил бомбой ненависти. Размеры картины впечатляют: длина — 8 м, ширина — 3,5 м. Известен один случай, связанный с картиной. Во время обыска, который устроил гестапо офицер-нацист обратил внимание на картину и спросил Пикассо: «Это вы сделали?» на что художник ответил «Нет. Это сделали вы!».
Всю Вторую мировую войну Пабло Пикассо жил во Франции, где художник в 1944 году стал членом Французской коммунистической партии.
Знаменитый голубь мира
Изображение птицы видел каждый из нас, однако далеко не все знают, что его автором является Пабло Пикассо.
Первый вариант сильно отличался от того, что приобрёл популярность – это было реалистическое изображение голубя, сидящего на земле. Это изображение голубя было выбрано Луи Арагоном в мастерской Пабло Пикассо для плаката Первого Всемирного Конгресса сторонников мира, прошедшего в 1949 году, и стало широко известным как «Голубь мира».
Дальше художник рисовал свою «птицу мира» для каждого конгресса по-новому. Сначала он вложил в клюв цветы, затем отправил в полёт, поднял к радуге, посадил на груду сломанного орудия. Самым узнаваемым графическим наброском стал летящий голубь с оливковой ветвью в клюве. Популярность этого рисунка быстро росла. Он появлялся на различных предметах, на посуде, одежде, спичечных коробках. Так голубка Пикассо стала символом борьбы за мир на планете и визитной карточкой художника.
Женщины и картины
«Любовь — лучший восстановитель.»
«Если бы некого было любить, я бы влюбился в дверную ручку»
Пабло Пикассо ловко лавировал не только между реализмом, сюрреализмом и кубизмом, но и между женщинами. Каждая женщина художника была его музой, соответственно, многочисленные и очень известные работы Пикассо были посвящены им. А когда вдохновение заканчивалось, он искал новый источник, оставляя прежний с разбитым сердцем и сломанной психикой.
Для каждой женщины в своей жизни Пикассо изобретал особую стилистику. Формы Марии-Терезы переданы округлыми, гармоничными линиями, арабесками. Дора Маар часто представлена яркими цветами, заостренными формами: длинные красные ногти, волевой подбородок, искрящиеся энергией глаза.
На «Портрете Жаклин со скрещенными руками» Жаклин Рок со своим прекрасным греческим профилем — для Пикассо воплощение средиземноморской женщины. На работе «Женщина-цветок» густая шевелюра Франсуазы Жило разметалась, словно лепестки. Ее тонкая талия еще ужата, словно стебель, несущий круглые, как бутоны, груди.
Фернанда Оливье
Голодную юность в богемном Париже с Пикассо делила Фернанда Оливье — натурщица с весьма темным прошлым. Почти на целое десятилетие она стала любимой женщиной и музой начинающего художника. Вместе с ней в живопись Пикассо, на смену сумрачному «голубому» периоду пришел — «розовый», с мотивами обнаженной натуры и теплым колоритом. Фернанда страстно любила цирк. Благодаря ей Пикассо много наблюдал за жизнью цирка и отразил это в картинах «розового» периода, где преобладали пастельные тона, округлые линии. В этот же период была создана знаменитая «Девочка на шаре». Художник написал более 60 портретов возлюбленной, прежде чем пара рассталась.
Марсель Умбер (Ева)
Пабло и Марсель познакомились в 1911 году в парижском кафе «Эрмитаж». Миниатюрную Марселлу Пабло сразу же стал называть Евой, подчеркивая этим, что она первая его женщина. Ева, как и все будущие возлюбленные великого и успешного Пабло Пикассо, не могла и представить, что щедрый любовник когда-то едва сводил концы с концами. За последнее десятилетие он уже крепко стал на ноги, и его картины успешно продавались.
Марсель была хрупкой, тихой и нежной, полной противоположностью высокой, здоровой и шумной Фернанде. На портретах художника Ева изображена везде как символ изящества, легкости, невесомости. Пабло часто изображал ее в виде музыкальных инструментов: скрипки иль гитары. В этих работах нельзя не заметить хрупкости, почти прозрачной красоты этой женщины.
Ольга Хохлова — русская балерина, покорившая самого Пабло Пикассо
В 1917 году Пикассо решил попробовать себя на новом поприще: создать декорации и костюмы к спектаклю балета С. Дягилева. Вместе с другом, поэтом Ж. Кокто они отправились в Рим, где гастролировала русская труппа. Днём декорации, по ночам прогулки с балеринами при свете луны. Романтично!
Но его интересовала лишь одна она – балерина Ольга Степановна Хохлова. Дочь полковника русской армии танцевала в кордебалете. Пикассо восторгался манерами, происхождением Ольги. «С русскими не шутят — на них женятся!» – предупредил его как-то Дягилев. Так и случилось. Летом 1918 года Пикассо-атеист венчался с любимой Ольгой в русской церкви на улице Дарю. Так Ольга стала первой официальной женой художника.
В 1921 году происходит знаменательное для пары событие — у них рождается долгожданный ребенок, сын Поль. С этого момента Хохлова отдает всю себя материнству, одновременно являясь музой своего мужа-художника, а Пикассо, вдохновленный рождением ребенка, открывает новую страницу творчества и новое направление — монументализм. В этот период на полотнах Пикассо появляются мягкие и нежные образы матери и ребенка. Он оформлял дягилевские балеты и писал жизнерадостные, светлые полотна. Личное счастье художника совпало с настроением в обществе: Европе хотелось пожить спокойно после мировой войны.
Ольга была большой противницей кубизма и требовала, чтобы муж рисовал ее совсем в другом стиле. Поэтому Пикассо был вынужден выходить за рамки направления, лавируя между ним и более реалистичными формами.
После того как Ольга узнала об измене мужа, их отношения продлились еще около шести лет до того момента, пока новая муза Пикассо не родила ему дочь. Официального развода не состоялось, так как Пикассо не желал делить свое имущество с супругой, но отношения между ними были окончательно завершены. Хохлова с сыном перебралась на юг Франции, фактически оставшись в одиночестве
Несмотря на тяжелое и болезненное расставание пары, люди из окружения художника говорили, что в нем навсегда осталось что-то русское: он ел малину, заливая ее молоком, стучал по дереву, чтобы не сглазить, и присаживался «на дорожку». А Ольга Хохлова навсегда останется той единственной женщиной, которой художник посвятил наибольшее количество картин и ради которой даже сменил направление творчества.
Мария-Тереза Вальтер
В 1925 году в творчестве Пикассо начался новый, сюрреалистический период. Объектом причуд художника вновь стали женщины, которых едва можно было разглядеть в бесформенных и абсурдных образах.
Будучи женатым на Ольге, в 1927 году Пикассо заметил на одной из парижских улиц симпатичную особу. Девушку звали Мария-Тереза Вальтер. Он не мог пройти мимо ее милого лица и предложил написать ее портрет.
Юная леди понятия не имела, кто такой Пик ассо, поэтому художнику пришлось повести ее в книжный магазин, чтобы показать книгу о себе. Менее чем через неделю у Пикассо и прекрасной блондинки завязались длительные отношения. Разница в возрасте в 29 лет не была помехой этому союзу. Этот период искусствоведы характеризуют как вершину его творчества. Появилось множество портретов Вальтер: «Сон», «Обнаженная, зеленые листья и бюст», «Женщина, сидящая у окна» и другие. Сегодня это одни из самых дорогих полотен живописца, их цена – от 100 до 150 миллионов долларов. А когда Мария-Тереза в 1935 родила от Пикассо дочь Майю, он быстро охладел к ней и в открытую завел себе новую музу. А Мария-Тереза, живя в постоянном ожидании и депрессии, спустя годы покончила жизнь самоубийством
Дора Маар
Очередной музой горячего испанца стала Дора Маар, 29-летняя художница и фотограф. Доре он посвящал целые серии портретов, а к Марии-Терезе и дочери Майе ходил дважды в неделю.
В период этих отношений с Дорой Пикассо пережил еще одно сильное потрясение, узнав о бомбардировке Герники, городка в его родной Испании. Его переживания вылились на холст: в 1937 году появилась знаменитая «Герника». Дора, будучи фотографом, запечатлела этапы работы над картиной, подарив нам бесценный исторический материал. Ей же принадлежат и многие фотопортреты Пикассо. И именно благодаря ее влиянию Пикассо начал свои эксперименты по совмещению живописи и гравюры с фотографией. Закончилась эта история весьма трагично. Дора тяжело переживая разрыв с Пабло, угодила в лечебницу, где ее лечили электрошоком. Выйдя из которой, увлекалась мистицизмом и астрологией. Жила очень бедно и в одиночестве, умерла 89 летнем возрасте.
Мари Франсуаза Жило
В 1943 году во время оккупации Парижа Пабло знакомится с девушкой, полностью изменившей его судьбу. Ему было 62 года, а ей — 22. Франсуаза Жило стала не только женой, но и самой талантливой ученицей Пикассо. Многое взяв от мастера, она выработала собственный стиль и стала известной художницей.
И только с Франсуазой Пикассо познает новые радости жизни. Эта удивительная женщина, подпитывала его творческой энергетикой, при этом, не растрачивая свою. Именно она смогла показать Пабло, что семейная жизнь – это не тяжкое бремя, и что два любящих человека могут быть счастливыми в семье. Она родила ему детей — сына Клода и дочь Палому, получивших фамилию Пикассо, которые после смерти отца стали владельцами части его многомиллиардного состояния.
Франсуаза Жило отличалась от всех женщин Пикассо сильным характером. Поэтому узнав об измене Пабло — сама ушла от него, не дав себе попасть в список брошенных и опустошенных женщин.
В 1964 году Жило стала знаменитой как писательница, опубликовав автобиографию «Моя жизнь с Пикассо», где в полной мере изложила свои взаимоотношения со знаменитым художником в 1943—1953 годах. После выхода мемуаров Франсуазы Пикассо прекратил отношения и с ней, и их детьми.
Жаклин Рок
Последний двадцатилетний отрезок жизни рядом с Пикассо была последняя страсть художника – красивая и молодая Жаклин Рок, ставшая второй законной его женой в 1961 году. До того она была секретаршей и натурщицей мэтра, и именно она залечила душевные раны, которые терзали Пикассо после ухода Франсуазы Жило.
Покорив художника своей преданностью, заботой и влюбленностью, которые так необходимы были престарелому Дон-Жуану, Жаклин стала единственной его отрадой. За годы жизни с которой, Пабло написал около четырехсот ее портретов. А жена возвела личность супруга в культ, называя его «великим маэстро», и окружила его раболепным обожанием. А что ему еще было нужно?
Великий живописец скончался на 93-ом году жизни, будучи мультимиллионером. О смерти он высказывался так: «Я все время думаю о Смерти. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня».
Пабло Пикассо покоится у своего замка Вовенарг. Еще при его жизни, в 1970 году в Барселоне, был открыт Музей Пикассо, куда картины передавал сам художник. Позднее в 1985 году наследники живописца открыли Музей Пикассо в Париже.
П. Пикассо был успешным человеком, оставившим свой след в жизни. И всегда стоит прислушаться к тому, что говорят успешные люди
«Искусство смывает пыль повседневности с души».
«Вдохновение существует, но оно должно приходить во время работы».
***
«Другие увидели то, что было, и спросили, почему. Я увидел то, что могло бы быть, и спросил, почему бы нет.»
***
«Некоторые художники изображают солнце в виде желтой точки, но есть и другие, которые заставляют желтую точку выглядеть как солнце.»
***
«Каждый акт творения — изначально — акт разрушения.»
***
«Если хочешь сохранить глянец на крыльях бабочки, не касайся их.»
***
«Я отдыхаю, когда работаю, и устаю, когда бездельничаю или принимаю гостей.»
***
«Я всегда делаю то, что не умею делать. Так я могу научиться этому».
***
«40 лет — это такой возраст, когда наконец-то чувствуешь себя молодым. Но уже слишком поздно».
***
«Настоящие художники — Рембрандт, Джотто, а я лишь клоун; будущее в искусстве за теми, кто умеет кривляться».
***
«Дайте мне музей, и я заполню его».
Мало кто знает, что Пикассо был не только великим художником, но и большим поэтом. В возрасте 55 лет он начал писать стихи, которые до тех пор, по его словам, «дремали в нем». Поэзия Пикассо, неотделимая от его живописи, позволяет лучше постичь богатый и причудливый мир художника. Стихи Пикассо сюрреалистичны, в них много от сновидений и работы подсознания. По форме это верлибры или так называемая стихопроза без знаков препинания и деления на строфы. Пикассо считал пунктуацию «фиговым листком, скрывающим интимные части литературы».
Стихи Пикассо не привычны для нашего восприятия и слуха, как, впрочем, и некоторые работы художника.
15 декабря 1935 года
лезвие ножа обжигает рану которую вздох нынешнего вечера расщепляет спицами на нити капель — запах мыши попавшейся в мышеловку — растекшееся масло часов — как море — свинцовая нить привязанная к солнцу — висящая на шее дня — земля — пробуждает искушение цвета голубки и раздирает на тысячу обрывков край веера — SOS тени отбрасываемой на середину стола жалкой несчастной маленькой пальмой — подаренной на Пасху любезным флористом — но если малейшая тишина каждый день чуть чаще станет виснуть разодранная на парусе который тянет время — сшей эти губы светлым волоском вдетым в иглу своего глаза
26 марта 1936 года
утомительное пребывание тайной цены страдания томится на слабом огне воспоминания где главная роль принадлежит луку если ударом хлыста по глазам оторвать ладонь от ее линий читаного-перечитаного прошлого
Материал подготовила
Библиотекарь 1 категории Т.Н. Шинкарева
